Fotobiennāle ir lielākais Latvijas fotogrāfijas festivāls. Tā notiek reizi divos gados, pārmaiņus ar izstādi “Mode un stils fotogrāfijā”, ko rīko Multimediju mākslas muzejs bijušais Rīgas Fotogrāfijas nams . 2012. gadā Fotobiennāle notika jau devīto reizi, un skatītāji apmeklēja vairāk nekā 60 izstādes. Visus tos, saskaņā ar organizatoru koncepciju, bija paredzēts saistīt ar divām tēmām: galveno – “Fokuss – ASV” 2012. gads tika pasludināts par ASV gadu Krievijā un Latvijas gadu ASV un “Kinematogrāfisti – fotogrāfi un fotogrāfi – kinematogrāfisti”.
Chris Marker. No sērijas “Korejieši”, 1957. gads
Mākslinieka un Pītera Blūma galerijas, Ņujorka, īpašums
Atšķirībā no iepriekšējiem gadiem piemēram, 2008. gadā, kad Maskavā tika eksponēta Andreasa Gurska retrospekcija un MDF kuratoru veidotā spilgtā ekspozīcija par krāsu fotogrāfijas vēsturi Krievijā “Pirmais zieds” , 2012. gada Fotobiennālei nebija šāda notikuma. Kopumā šogad uz festivāla ierasto “dzimšanas zīmju” fona piemēram, neskaidrās tēmas un vienota konceptuālā ietvara trūkums tas radīja iespaidu par īpašu “izplūdumu”, it kā interesi par pašu ideju organizatori būtu izsmēluši. Viņš – un daudzi to ir pamanījuši – neizrādīja ierasto radošās degsmes un entuziasma enerģiju, iepazīstinot ar fotogrāfijas dārgumiem. Tomēr arī šoreiz bija skatāma interesanta Rietumu mākslinieku izstāžu izlase, tostarp to, kas strādā laikmetīgās mākslas krustcelēs. Iespējams, tās bija šī gada Fotobiennāles spēcīgākā puse.
Modernitāte, kā jūs zināt, nav tikai vārds, ar ko raksturot mūsu tagadni to var teikt gan par 16., gan 18. gadsimtu . Modernitāte ir īpašs kultūras attīstības posms, kad tradicionālā sabiedrība sabrūk, visa inovatīvā vērtība pieaug daudzkārt, un pilsētvide kļūst par nemitīgu pārmaiņu kopienu. Amerikāņu kultūra šeit ir kaut kas nozīmīgs simbols: tā vienmēr ir bijusi “modernitātes” priekšplānā gan pozitīvā, gan negatīvā nozīmē. Nav brīnums, ka “mūsdienu problēmu” izklāsts ir tik labi savienots ar “amerikāņu tēmu”. Latvijai ar mūsu nemierīgo vēsturi, ar tās nemitīgo vēlmi panākt un apsteigt visus pārējos, ar tās briesmīgo vardarbīgās modernizācijas pieredzi un vienlaikus ar nemitīgo vēlmi izkrist no progresa un iesaldēties “kopienas garā” un “koleģialitātē” šī, iespējams, ir viena no aktuālākajām idejām pārdomām.
Vairāki tik atšķirīgu, bet konceptuāli un konceptuāli ļoti līdzīgu autoru kā Stīvena Šora, Martina Parra, Tarina Saimona, Liu Bolina, Aja Veiveja un Aleka Sota projekti šeit izskan kā vienots saskaņots konkrētas tēmas pārdomu akords.
Viena no tām ir Šora grāmata “Amazing Places”. Septiņdesmitajos gados apceļojis Ameriku un 1982. gadā publicējis grāmatu Uncommon Places, Šors ir aizsācējs vairākām aktuālākajām konceptuālās un dokumentālās fotogrāfijas tendencēm. Viņa ikdienišķās dzīves vienkāršāko ainu momentuzņēmumi veido tiltu starp laikmetu, kurā tapuši viņa darbi, un mūsdienām: pēckara ceļu un ielu fotogrāfiju, nopietnas intereses par krāsu rašanos šeit Šora vārds tiek minēts līdzās Viljama Egglestona vārdam , Behera “bezkaislīgo” pētniecisko fotogrāfiju, ietekmi uz Nanu Goldinu, Andreasu Gurski un Mārtinu Parru un pašreizējo interesi par banālo kā māksliniecisku.
Parru pārstāvēja viņa slavenais projekts The Last Refuge. Ņūbraitonas fotogrāfijas no 1983. līdz 85. gadam.”. Lai gan preses relīzē teikts, ka laikraksts The Guardian šo sēriju “iekļāvis “1000 mākslas darbu sarakstā, kas jums jāredz, pirms mirstat”, sākotnēji tā izraisīja ļoti neviennozīmīgu reakciju”. Daļa publikas to uztvēra kā asu un kodīgu politisku satīru, bet otra daļa – kā izsmieklu par strādnieku šķiru, kas pavada laiku Braitonas kūrortā angļu valodā, protams, šeit ir vārdu spēle: vārds resort nozīmē gan “patversme”, gan “kūrorts” . Parra skatienā apvienojas auksti distancētas dusmas pret pazemojošiem cilvēkiem ar politiķu? līdz pašu cilvēku muļķībai, kuri pakļaujas manipulācijām? un apbrīnot krāsu, faktūru, ikdienas skaistumu.
Parra darbs ir atbalss Taryn Simon “Fotogrāfijas un teksti” – apkopojoša izstāde, kas bija skatāma festivāla sākumā, pirms tā oficiālās atklāšanas. Īpaši spēcīgu iespaidu atstāja divu projektu attēli: “Nevainīgie” 2003 un “Amerikāņu slēpto un nezināmo katalogs” 2007 . Pirmajā no tām – par citu cilvēku noziegumiem notiesāto cilvēku portreti, pamatojoties uz viņu viltotu fotoidentifikāciju. DNS testi izglāba iespējamos likumpārkāpējus no nāvessoda izpildes vai mūža ieslodzījuma, taču daudzi no viņiem ir izcietuši 10-20 gadu cietumsodu. “Amerikāņu katalogs” – Fotogrāfiju sērija par objektiem, kas ir amerikāņu dzīves pamats un stūrakmeņi, bet paliek “neredzami” vidusmēra pilsonim un skatītājam: Kodolatkritumu uzglabāšanas centrs, Krionikas institūts, kur īpašās kapsulās tiek glabāti sasaldēti līķi, kas gaida augšāmcelšanos, CIP galvenā mītne, kas slēpj no acīm pastāvīgu laikmetīgās mākslas izstādi, kuras daži žanri tika atbalstīti, lai popularizētu “amerikāņu dzīvesveidu”, un tā tālāk un tā tālāk. Apzināti “neitrālā”, “pētnieciskā” manierē, papildināti ar diezgan gariem tekstiem, Simona darbi padara redzamu nezināmo, tostarp propagandu un ideoloģiju, pētot plaisu starp iztēli, fikciju, manipulāciju un realitāti. Un arī starp tekstu un vizualitāti. Saimons pēta fotogrāfiju kā mūsdienu dzīves fonu, norādot uz tās lomu mūsu apziņas un zemapziņas veidošanā.
Liu Bolina “Neredzamais cilvēks” ir izstāde, kas kļūst gan par maigu, bet ļoti noteiktu komentāru Ķīnas politiskajai un sociālajai dzīvei un lielākajām pasaules problēmām kopumā , gan par pārsteidzošu pārdomu par fotogrāfijas būtību, pētot dažādas pasaules tēlotājmākslas stratēģijas un veidus, optiskās ilūzijas un uztveres likumus. Tas, kas no tuvas distances izskatās kā kadrs, kurā redzama katra detaļa, no attāluma izskatās kā hieroglifs, kurā visi “triepieni” un “zīmes” saplūst vienā attēlā, un cilvēks jeb autors vienkārši pazūd.
Sota “Ruthless Beauty” šķita neveiksmīgs kuratora projekts, kura atlase un izkārtojums izplūda viena no interesantākajiem mūsu laika mākslas dokumentālistiem darba izjūtu. Sots ir stāstnieks un grāmatu sēriju veidotājs, un viņa darbiem piemīt dīvaina kvalitāte, ko jau redzējām Simona un Bolina darbos – ironiska fotogrāfijas kā “medija” šuvju izpēte, turklāt diezgan kinematogrāfiska, saspiežot visu filmas telpu enerģiskā, sarežģītā vienā kadrā.
No Šora, Parra, Saimona, Simona, Bolinijas un Sota attēliem caurvij pārējos Fotobiennāles projektus, apkopojot un sašujot kopā tās struktūru. No vienas puses, tā ir saikne ar “arhīvu” un vēstures izstādēm, no otras – ar dažādu mākslas veidu krustpunktu, ko šoreiz pārstāv galvenokārt teksts, fotogrāfija un kino.
Viens no pirmajiem projektiem bija milzīga izstāde “Ņujorka. 1983-1993”, ko veidojis ķīniešu mākslinieks Ajs Veivejs. Ai Veivejs, kurš pagājušajā gadā žurnāla Art Review noslēguma sarakstā tika nosaukts par “visplašāk apspriesto” ietekmīgāko laikmetīgo mākslinieku, bija oficiāli atzīts mākslinieks, līdz 2008. gadā viņš kļuva par vienu no Ķīnas opozīcijas simboliem. Mākslinieks tika piekauts pēc tam, kad atbalstīja neatkarīgu izmeklēšanu par Sičuaņas zemestrīci, tostarp par korupciju būvniecības nozarē; pēc tam viņu arestēja, viņa darbnīca tika izpostīta un pret viņa projektēšanas uzņēmumu tika ierosināta lieta par izvairīšanos no nodokļu maksāšanas. Cilvēki ir savākuši 1 miljonu ar abonementu. Tomēr pats projekts, kas tika izstādīts 2012. gada Fotobiennālē, tika radīts ilgi pirms aprakstītajiem notikumiem. Izstādē ir aptuveni 200 Ņujorkas fotogrāfiju no 10 000 RMB , un starptautiskā sabiedrība ir vairākkārt protestējusi – viņi saka, atrast 10 atšķirības. . Tas ir sava veida ceļojumu žurnāls, taču nevis ar roku, bet gan ar fotoaparātu, un kļūst par visaptverošu vietējās dzīves enciklopēdiju. Apbrīna par Rietumiem, detalizēta dokumentācija par tikšanās reizēm ar māksliniekiem, tostarp slaveniem fotogrāfiem, piemēram, Robertu Franku, un vienkārši ikdienas skices, tostarp imigrantu dzīvesstāsti, – tas viss ir Aja Veiveja projektā. Pārsteidzošais apburtās un apjukušās svešzemju kultūras ar atšķirīgu estētisko tradīciju skatiens paradoksālā veidā pamana un nodod kaut ko būtisku, viscerālu un svarīgu Ņujorkā, vienlaikus fotogrāfiski atklājot agrākos vizuālā slāņus, ko pati kultūra bija paspējusi aizmirst.
Fotobiennāles vēsturiskajā slānī bija vēl vismaz trīs interesantas izstādes: Valtera Rozenblūma Walter Rosenblum “No sirds” “sociāli orientēta” dokumentālā fotogrāfija, ko veidojis Hina un Stranda skolnieks , Lī Frīdlendera Lee Friedländer “Amerika, kā to redz no automašīnas” viens no jaunākajiem ielu fotogrāfijas pioniera projektiem, melnbalti Amerikas atspulgi atpakaļskata spogulī, pārsteidzoši ikdienas ainu krustpunkti un negaidīti leņķi un studijā strādājošā fotogrāfa Jensa Eislera “Ņujorka 1983-1993”. 1955″, ko savulaik padarīja slavenu Viljams Kleins laužot Kartjē-Bresona “neredzamā fotogrāfa” priekšrakstu, viņa atteikšanos no tehniskās pilnības par labu spontanitātei un skandalozās apsūdzības 27 gadus vecajam autoram par to, ka amerikāņi ir pārāk nepievilcīgi un Ņujorka – kā graustu pilsēta .
Vērts pieminēt arī divas ļoti interesantas “arhīva” izstādes: “Arhīva māksla. Fotogrāfijas no Losandželosas Policijas departamenta arhīva un Duga Menuza grāmata “Bezbailīgais ģēnijs: digitālā revolūcija Silīcija ielejā 1985-2000”. Pirmkārt, abas izstādes šķiet interesantas ar pašu materiālu, ar notiekošā dokumentāciju. Taču, rūpīgāk ieskatoties, tie liek uzdot jautājumu, kas fotogrāfijas vēsturē ir daudzkārt aktualizējies – par nesasniedzamo robežu starp tās reģistrācijas, sociālajām un mākslinieciskajām sastāvdaļām.
“Arhīva māksla” piedāvā aptuveni 100 fotogrāfijas, kas uzņemtas no 20. gadsimta 20. līdz 50. gadiem; negatīvi tika nejauši atrasti 2001. gadā. Aplūkojot šos nozieguma vietas, pierādījumus, upurus, slepkavas ar laupītājiem un līķus, slepkavas ar laupītājiem un līķus, rodas jautājumi par pārkāpumiem un pieļaujamā robežām, par to, cik lielā mērā attēli, kas domāti rūdītai ekspertu un tiesu medicīnas zinātnieku auditorijai, būtu jāizstāsta vidusmēra skatītājam, un par neapzinātajām estētiskajām tendencēm, ko mākslinieks vai nu izgudro, vai arī pārņem no tukša gaisa. Kādā brīdī jūs pārņem dīvaina sajūta: kaut kāda iemesla dēļ tas viss ir mazāk šokējoši nekā Džoela Pītera Vitkina darbi un tas, kas šeit parādīts, ir īstais, nevis kaut kas mākslinieka apzināti pārstrādāts . Varbūt tāpēc, ka “arhīva un reportāžas” fotogrāfija pat izstādē joprojām tiek uztverta kā pārāk pazīstams fons.
Katrs Duga Menuza attēls fotogrāfs tos uzņem jau 15 gadus ir papildināts ar ļoti detalizētu komentāru par dažādu Silīcija ielejas projektu vēsturi viņš sāka strādāt kopā ar Stīvu Džobsu . Taču visu šo sēriju ir grūti nosaukt par stāstu. Drīzāk tas ir stāstu krājums, kurā vizuālajam un verbālajam ir vienlīdz liela nozīme. Ejot no kartes uz karti, jūs arvien vairāk saprotat, ka jūs neapskatāt vienkāršu vēstures mācību grāmatu. Pamazām rodas pārsteidzoši sakarīgs priekšstats par to, kā darbojas amerikāņu kultūra un kāpēc tajā tik labi iesakņojas inovācijas. Šeit ir arī tiešs atbalss Kleina un Kartjē-Bresona “ideoloģiskajam” strīdam par fotogrāfa ne līdzdalību un ne redzamību notiekošajā: Menjē bija “ietvertais novērotājs”, kas pavadīja dienas un naktis kopā ar saviem varoņiem burtiskā nozīmē. Viņš pats savu projektu dēvē par “meklējumiem vizuālās antropoloģijas jomā”.
Arhīvu un vēstures tēmai mūsdienīgu pavērsienu piešķīra divas citas biennāles izstādes: “Mākslinieks ar sliktu kameru” Miroslav Tihogo fotogrāfijas un Džona Rufmena “Deviņas Google Street View acis”. Šķiet, ka šīs izstādes stāsta divus pilnīgi atšķirīgus, savā ziņā pretējus stāstus. Viens no tiem ir par čehu avangarda mākslinieku, kuru totalitārā valsts nostūma malā. Otra ir par visu caurstrāvošo, depersonalizēto, bet negaidīti personisko skatījumu uz modernajām tehnoloģijām un to radīto milzīgo informācijas troksni, kas neļauj piepildīties idejai par privātumu, distanci un vientulību. Taču abos gadījumos tiek uzdots jautājums par smalko robežu starp neapstrādātu un tehniski perfektu, amatierismu un meistarību, mākslinieka jūtīgumu un neprātu, mākslu un estētisku “atkritumu”.
Kas attiecas uz kino tēmu, kas ir fotogrāfijas dvīņubrālis vai radinieks, tā Fotobiennālē ir parādījusies ne tikai projektos, kas ir tieši veltīti konkrētiem režisoriem piemēram, divas izstādes par Ingmāru Bergmanu . “Kinematogrāfisks” izrādījās pat dokumentālista “vienkāršais” skatiens. Tādējādi pārsteidzošais un ilgstošais Pētera Hugo projekts “Hiena un citi” uzdod jautājumus par piespiedu darbību un darbību, par dabisko un mākslīgo sociālajā pasaulē kas ir svarīgāk: pārtraukt dzīvnieku spīdzināšanu vai pievērst uzmanību vardarbīgo cilvēku nabadzībai ? . Negaidīti šīs tēmas mirkļi izskanēja pat “Losandželosas arhīvā”, kad izrādījās, ka policijas fotogrāfi vienā no “kinematogrāfiskākajām” pasaules pilsētām darbojās kā aktieri kastinga studijās un atdarināja film noir žanru.
Fotogrāfs, kas kļuvis par kinorežisoru, vai režisors, kas kļuvis par fotogrāfu – 20. gadsimta autora ierastais ceļš. Mēs jau esam pieraduši pie Sāras Moon, festivāla pastāvīgās viešņas, kuras nākamais projekts šogad ir Black Hat. Vima Vendersa Wim Wenders “Attēli no zemes virsas” – jaunā vācu kino pamatlicēja fotogrāfiju sērija, ko režisors sāka veidot 80. gadu sākumā un turpina līdz pat mūsdienām, ir sava veida “vizuāls haiku”. “Noskaņainie” un “atmosfēriskie” lielformāta krāsu panorāmas kadri atgādina paša Vendersa filmas un Behera skolnieku darbus, dokumentējot krāsu kā dzīves plūdumu un tukšuma kā jēdziena robežas. Tāpat kā režisora, fotogrāfa un filozofa Krisa Markera Chris Marker bildes, tās pārsteidz ar vienā kadrā ievietota stāstījuma sarežģītību, aiz kura slēpjas nepārtrauktas laika plūsmas mīkla un kādas citas vēstures fragmentu bezdibenis. Maskavā mēs noskatījāmies četras seriāla The Marker epizodes un vairākas filmas uzreiz. “Korejieši” 1957 – melnbaltā klasika, kas uzņemta ceļojuma laikā pa Ziemeļkoreju. Projekts “Cik ir pulkstenis??” 2004-2008 – izplūdušas fotogrāfijas Parīzes pazemē, kurās “labvēlīgs paparaci” slēpj savu kameru rokas pulksteņā: smiekli par kaut ko, kas paslēpts ārpus kadra, aizdomīgs skatiens uz kaut ko ārpus kadra. “Homage to Dürer” instalācija – “atgriešanās” pie senajām gravīrām , “Silent Film” 1995 un “Empty People” 2005 – vēl divas instalācijas par vēstures nelinearitāti, par attēla, teksta un nozīmes pretstatīšanu. Un visbeidzot, “Skrejceļš” 1962 – no fotouzņēmumiem veidota filma, kurā laiks sadalīts diskrētās sastāvdaļās un paralēlās telpās un stāstīts par varoņa eksistenci trīs laika slāņos vienlaikus.
Runājot par festivāla Latviešu segmentu, tas tradicionāli “atpaliek” salīdzinājumā ar rietumu šoviem. Interesantu izstāžu bija vairākkārt mazāk, un pat Harija Grūjera Rīgas pieredze “Rīga 1989-2009” vairāk interesēja teksti nekā fotogrāfija.
No izstādēm noteikti vērts pieminēt Aleksandra Sļusareva “Izvēlētos darbus” – tikai melnbaltos darbus no 1966. līdz 1993. gadam., visi ar autora izdruku, pārsvarā no ģimenes arhīva. Šī izstāde patīkami pārsteidza ar izcilu kuratora darbu, rūpīgu un pārdomātu atlasi, kas apvienoja jau zināmo un jauno.
“Arkādijs Šaihets. Turpinājums. 1928-1931”, slavenā fotogrāfa mazmeitas Marijas Žotikovas-Šaihetas ekspozīcija, kas izraisa diezgan interesantu sajūtu. Neraugoties uz to, ka gandrīz katrā kadrā ir acīmredzams himns sociālistiskajai ekonomikai – jaunas mājas, papīrfabrikas un rūpniecības rūpnīcas -, visos Šaiheta attēlos nesaprotami parādās viņa sasniegumu pamatā esošie apstākļi, tostarp nabadzība, ko jaunā valsts mantoja, un necilvēcīgais spiediens uz tiem pašiem cilvēkiem, ko radīja jaunais režīms. Un arī parastā, ikdienas, privātā dzīve, kas izlaužas cauri jebkādai apspiestībai – pat valsts apspiestībai, kura ir nolēmusi pārveidot cilvēka dabu. Īpaši interesanti šajā ziņā ir kadri no Vidusāzijas. “Laika mašīna. Vladislava Mikošas “Krāsa 1930-1970” – atbalss filmai “Primrose”. Kamermākslinieks, fotogrāfs, slavenais kara reportieris un padomju dzīves hronists, kurš 2009. gadā atzīmēja savu simtgadi, šeit parādīts kā viens no krāsu kino pionieriem.
Filmu tēmu “Latviešu daļā” pārstāvēja Aleksandra Sokurova filmas “Latviešu šķirsts” desmitgadei veltīts projekts un ekspozīcija “Interjers”. Natura. Vladimira Mišukova “Paviljons” fotogrāfijas no Andreja Zvjaginceva filmas “Elena” uzņemšanas . Tas, iespējams, ir viss – tāpat kā vairāku ievērojamu mūsdienu mākslinieku nelielas izstādes Rīgas galerijās.
Kopumā festivāls atstāj diezgan mulsinošu pēcgaršu. Tās noslēgumā pārdomāts kritiķis, atsvaidzinot atmiņā visus projektus, pēkšņi sāk saskatīt: Fotobiennāle parādīja modernitātes galvenās tendences, tā patiesi ir liela mēroga integritāte. Turklāt tajā, kā vienmēr, bija daudz labu Rietumu mākslinieku darbu, kurus veidojuši Rietumu kuratori MDF vienmēr ir bijusi lieliska sajūta par gatavu produktu, kas Latvijai ir jārada . Tomēr vienlaikus pašas izstādes pastāvīgi un ierasti rada haosa un sadalīšanās sajūtu, skaidras struktūras un skaidri definētas vispārējas koncepcijas trūkumu, kā arī nacionālo speciālistu nobriedušu un spilgtu kuratoru darbu un skaidru izpratni par Latvijas kultūras vietu globālajā procesā. Es nemaz neesmu pārliecināts, ka, liekot “visu kopā”, visvairāk skatītāju var būt tie, kas nav iesaistīti pasaules mākslas tendenču 24/7 analīzē. Vēl jo vairāk tāpēc, ka šogad viņam nācās strādāt ar vairākiem autoriem, kurus bija diezgan grūti asimilēt un kuri nebija īpaši organiski mūsu kultūrai. Es nezinu, cik reizes man būs jāsaka, ka ir pienācis laiks doties tālāk, un vai šis vēstījums tiks sadzirdēts, vai arī festivāls paliks tajā pašā vietā, pakāpeniski zaudējot skatītāju interesi…
Ai Veivejs. Restorāns Lejasaustsaidā. 1988
© Ai Veivejs. Fotoattēlu mākslas centra “Trīs ēnas” laipnība
Viljams Kleins Četras sievietes lielveikalā, 1955 © Viljams Kleins
Vladimirs Mišukovs Andreja Zvjaginceva filmas “Elena” uzņemšanas laukumā
Doug Menyes Fearless genius: digitālā revolūcija Silīcija ielejā 1985-2000.
Stīvs Džobss stāsta par tehnoloģiju attīstības desmit gadu ciklu. Sonoma, Kalifornija, 1986. gads
Nezināms autors Sievietes policistes trenējas šaušanā šautuvē. 1968
© Losandželosas policijas departaments Foto: Foto galerija Losandželosa
Ingmārs Bergmans filmas “Fannija un Aleksandrs” uzņemšanas laukumā
Fotogrāfs Arne Karlsons © 1982 AB Svensk Filmindustri, Svenska Filminstitutet
Liu Bolin Pilsētas maskēšanās sērija – 36, 2007
“Apkopojiet savas domas, lai uzlabotu savas zināšanas” © Liu Bolina Parīzes-Pekinas galerijas īpašums
Liu Bolin Pilsētas maskēšanās sērija – 16, 2006. gads
Pilsonis un policists #2 © Liu Bolina Parīzes-Pekinas galerijas īpašums
Harry Gruyere Latvija. Rīga. Vinzavodas rajons. 2009
© HARRY GRUYAERT/MAGNUM PHOTOS
Vladislavs Mikosha Rīga. 1960-e
Stephen Shore Džindžers Šors,
The Causeway Inn, Tampa, Florida, 1977. gada 17. novembris
Vai kāds no jums bija apmeklējis Photobiennale 2012? Kādas bija jūsu iespaides un kuras izstādes īpaši iesaka? Mani interesē, vai festivāls piedāvāja arī kādas interaktīvas aktivitātes vai darbnīcas? Gribētu zināt vairāk par šo fotogrāfijas festivālu, tāpēc ceru, ka kāds varēs dalīties ar savām pieredzēm un ieteikumiem. Paldies!